Самый первый звуковой фильм
С появлением кино требования зрителей росли, в результате чего кинорежиссерам нужно было снять не только картинку, но и синхронизировать ее со звуком. Первым это пытался сделать Томас Эдисон, но его старания увенчались провалом. Уильям Диксон, который был соавтором Эдисона, утверждал, что в 1889 году им удалось создать кинетофонограф, который воспроизводил звук и картинку одновременно, но доказательств этому нет.
В 1919 году был получен патент на фотографическую звукозапись, совершившую впоследствии звуковую революцию
Однако кинокомпании не сразу обратили внимание на возможность сделать фильм со звуком, так как они не хотели удорожать стоимость производства и проката кинофильмов. Тем не менее, первый звуковой фильм был презентован в Берлине 17 сентября 1922 года
Спустя 3 года Ворнер Бразерс оказался на грани банкротства, компания вложилась в рискованный звуковой проект, выпустив несколько фильмов, так и не ставших популярными. Успех пришел только с фильмом «Певец джаза», съемки которого обошлись в 422 тысячи долларов. В сюжете фильма были не только музыкальные номера Элла Джолсона, но и его короткие реплики. 6 октября 1927 года – день премьеры фильма, который считается днем рождения звукового кино.
В далекой-далекой галактике
Что было дальше, вы и так сами знаете. На несколько десятилетий Лукас ушел из режиссуры в продюсеры. Вместе с другом Спилбергом запустил еще одну суперприбыльную франшизу — приключенческую трилогию «Индиана Джонс». Заработал миллиарды долларов на игрушках и других сопутствующих товарах с символикой «Звездных войн», подружился с Disney и открыл в «Диснейленде» несколько тематических аттракционов по мотивам саги. Вернулся в кино, сделав новую трилогию, и еще кучу всего. Все достижения Лукаса не уместятся ни в одной статье мира.
Скорсезе как-то рассказал историю времен монтажа фильма «Нью-Йорк, Нью-Йорк». Лукас, который параллельно заканчивал «Звездные войны», как-то зашел в монтажную к другу и произнес: «Я знаю, Мартин, как увеличить кассовые сборы твоего фильма на 8-10 миллионов. Сделай так, чтобы в финале герои де Ниро и Минелли уходили в закат, держась за руки». Этот совет после просмотра незаконченной версии фильма сам Скорсезе запомнил на всю жизнь. В тот дождливый калифорнийский день автор «Таксиста» понял главное: он никогда не станет своим в коммерческом голливудском кино.
Как говорят коллеги-друзья режиссера, Лукас не сильно изменился с того времени, когда снимал в своем гараже первые «Звездные войны». Он и сейчас — упертый человек, который всегда идет к своей цели и умеет считать деньги. Все-таки последнее качество, а также коммерческая жилка позволили Лукасу заработать не просто много, а очень много денег. Наряду со Спилбергом, он до сих пор является самым богатым постановщиком Голливуда.
Ноединственное Лукас все-таки несмог просчитать. Его Звездные войны изнаучно-популярной сказки вформате Долби превратились вогромную всепожирающую махину, самую влиятельную иуспешную франшизу вмире. Витоге онаже ипогубила Лукаса, который измолодого иупертого голливудского умника, приклеившись навсю жизнь ксвоему монструозному детищу, превратился вскучного инеинтересного режиссера. Ноэто, как мылюбим говорить втаких ситуациях, совсем другая история.
Атогда, в1977, небыло счастливее человека вГолливуде. Онзавоевал весь мир, иэто было только начало.
Первый фильм в России
Все мы знаем о дне рождения кинематографа, когда 25 декабря 1895 года в Париже состоялся первый в истории киносеанс, организованный известными братьями Люмьер. У российского кинематографа также есть свои памятные даты, одна из которых отмечается в октябре. В театре «Аквариум» (Москва) в октябре 1908 года состоялась премьера первого российского фильма под названием «Стенька Разин» («Понизовая вольница»). Фильм создан в ателье Александра Дранкова – первого российского продюсера, открывшего кинематографическое ателье в 1907 году. Здесь создавались сюжеты по актуальным, для отечественного зрителя событиям. Дранков тонко уловил тот момент, когда зритель нуждался в российском фильме, выпустив народную киноленту, понятную всем зрителям того времени, ведь в центре сюжета была не жизненная драма французских аристократов, а история о княжне и Стеньке Разине.
Голливудский бухгалтер
Предварительный контракт на постановку «Звездных войн» Лукас и киностудия «Двадцатый век фокс» подписали еще до выхода «Граффити», но зрительский успех картины позволил режиссеру вынудить студийное начальство пересмотреть условия сделки. Согласно новым требованиям постановщика, бюджет картины должен был быть увеличен до 10-12 млн долларов, а сам Лукас, помимо гонорара, получал права на распространение атрибутики по мотивам фильма, саундтрек и другие сопутствующие товары. В середине семидесятых индустрия мерчендайза была развита очень плохо, и студия без проблем пошла на требования режиссера. Лишь спустя несколько лет стало ясно, что Лукас заключил уникальное соглашение, опередившее время и обеспечившее его прибылью до конца жизни.
Два человека, которые придумали блокбастеры — Джордж Лукас и Стивен Спилберг.
На игрушках и других товарах с символикой «Звездных войн» Лукас заработал миллиардное состояние. Его коллеги уверены, что режиссер все знал наперед. В каком-то приступе злости перед выходом «Звездных войн» в прокат Лукас выпалил: «Я на одних игрушках заработаю в несколько раз больше, чем Френсис (Коппола) за всю карьеру. Даже «Крестных отцов» не нужно будет снимать».
Но важнее другое: режиссер показал, что на кинотеатральном прокате судьба фильма не заканчивается. «Звездные войны» стали отправной точкой для формирования целой вселенной, в которую вошли игрушки, книги, видеоигры и много чего еще. Иными словами космическая опера Джорджа Лукаса стала первым фильмом, ворвавшимся в смежные медиасферы. Но вернемся к производственному процессу, тем более что «Звездные войны» стали самым сложным фильмом в карьере Лукаса.
2000-2010-е: Распад и стилизация
С началом нового столетия игры с авторством и реальностью окончательно получили серьезное, непародийное воплощение. «Адаптация» (2002)Спайка Джонсапо сценариюЧарли Кауфмана — это рассказ драматурга про то, как он не может написать сценарий по книгеСьюзан Орлеан«Вор орхидей». В результате он придумывает собственную историю об авторе и герое книги, а также конструирует себе близнеца, тоже сценариста. Обоих «Кауфманов» играетНиколас Кейдж, в конце ложный Кауфман-близнец погибает, а «настоящий» выходит из творческого кризиса.
Кадр из фильма «Адаптация»
Еще сложнее «Малхолланд драйв» (2001)Дэвида Линча, который наиболее полным образом воплотил расхожую метафору о кино как о сновидении. Действие разворачивается в сердце Голливуда, частично — на съемочной площадке фильма о пятидесятых.Наоми Уоттси Лаура Хэррингиграют как бы двойников, также у каждой есть две жизни, но неизвестно, какая из них истинная. Мы не видим, где кончается фильм в фильме или сон во сне, пленка закручивается в ленту Мебиуса.
Линча можно считать наиболее радикальным экспериментатором современного Голливуда, и всемирная популярность «Малхолланд драйва» показывает, как отзывчиво зритель реагирует на подобный взгляд. Реальное сливается с виртуальным, смешное — со страшным. В 2008 выходит комедияБарриЛевинсона, которая в русском прокате также называлась «Однажды в Голливуде». Здесь вновь появляютсяДеНиро(в роли продюсера),Туртурро, а ещеБрюс Уиллис — в роли самого себя в творческом кризисе. Продюсер здесь выглядит уже не богом, а рабочей лошадкой, вечно крайним и ответственным за все. Сатира в этом фильме перемешана с драмой, а отточенный механизм кинопроизводства выглядит буквально распадающимся.
Кадр из фильма «Однажды в Голливуде»
Почти о том же повествует одна из самых смешных комедий на тему — «Солдаты неудачи»Бена Стиллера(2008). Это своего рода «Трюкач» наизнанку: самовлюбленные актеры, снимающие самый дорогой фильм о Вьетнаме, оказываются на прицеле у банды террористов-наркоторговцев. Гадкий продюсер в исполнении невероятно замаскированногоТома Круза, бросает съемочную группу на произвол судьбы. В конце концов, реальность побеждает вымысел, сама превратившись в фильм: все «Оскары» собирают документальные съемки побега артистов от гангстеров.
Голливуд второго десятилетия нового века в условиях очередного кризиса привычного кинопроизводства, вероятно, пока не отрефлексировал происходящие изменения. Отчасти, это возможно в виде стилизации упомянутого «Ла-Ла Ленда», где не работают старые романтические и карьерные схемы.
Кадр из фильма «Звездная карта»
Но самый беспощадный взгляд на Фабрику грез сегодня выразил канадецДэвидКроненбергв сатирической драме «Звездная карта» (2014), своем единственном фильме, съемки которого проходили в США (и то частично). Беспощадная сатира превращает этот мир в шизофреническое пространство. Его обитатели — либо психопаты, либо глубоко травмированные и несчастные люди.Роберт Паттинсонв роли сценариста, вынужденного водить лимузин стареющей звезды в исполненииДжулианыМур,Миа Васиковскив роли сбежавшей из психушки пироманки, звездный мальчик с мерзким характером, привидения, галлюцинации, киностатуэтка как орудие убийства — все это элементы дурного кино, воплотившиеся в действительности на звездной карте замкнувшегося на себе Голливуда.
Читать также: Актеры, убийцы, жертвы и герои. Гид по персонажам «Однажды… в Голливуде», Омерзительный актер, прирожденный сценарист и бесславный продюсер: Гид по всем проектам Тарантино (кроме режиссерских)
Показы друзьям и студийным боссам
В успех «Звездных войн» Лукас не верил еще и потому, что в него не верили все коллеги режиссера. По легенде Лукас показал незавершенный вариант картины без спецэффектов своим друзьям-кинематографистам — Копполе, Фридкину, Скорсезе, Спилбергу и другим — незадолго до премьеры. Все были в шоке. Коппола, самый близкий друг Лукаса, не мог понять, как Джордж мог отказаться от постановки «Апокалипсиса сегодня», ради этого «детского бреда». Остальные разделяли позицию режиссера «Крестного отца». Марша плакала в сторонке. Особенно «постарался» Брайан де Пальма, который назвал «Силу» «пердежем» и отчаянно ругал фильм за то, что герои постоянно несут какую-то тарабарщину. А ведь Лукас рассчитывал сделать понятное кино для самой широкой аудитории.
https://youtube.com/watch?v=yHfLyMAHrQE
Единственным, кто поддержал режиссера и фильм, был Спилберг, который выдал пророческую фразу: «Мужик, это будут смотреть». Автор «Челюстей» тогда готовил к выходу «Близкие контакты третьей степени» и считал свой фильм слишком эзотерическим и сложным для массовой аудитории. А «Звездные войны», по его словам, были созданы на синтезе жанров и должны были понравиться буквально всем, кто не воротит нос от научной фантастики.
Перед показом студийным боссам ILM трудились не покладая рук семь дней в неделю, чтобы доделать спецэффекты. Марша уже вернулась от Скорсезе и участвовала в финальном монтаже. Сама супруга Лукаса стала постепенно оттаивать к фильму, который с наложением графики заиграл новыми красками (в первых вариантах картины отсутствовали некоторые сцены, другие были заменены на кадры из военной хроники). Она, как и Лукас, сильно волновалась перед просмотром, но у нее была своя «лакмусовая бумажка». «Я знала, что если публика не придет в восторг к эпизоду с появлением на борту «Сокола тысячелетия» Хана Соло (когда тот спасает Люка), то пиши пропало», — говорила Марша. Но, слава богу, показ «Звездных войн» прошел неплохо. Некоторые люди, конечно, спали, но большинство было в восторге от фильма. «Звездные войны» вышли на финишную прямую, в конце которой фильм ждали зрители.
Самый первый неофициальный фильм
Многие знают о том, что официальной датой появления кинематографа является 1895 год, но никто и не догадывается о том, что первые фильмы появились за несколько лет до этой даты. Первым в мире кино стал француз Луи ле Принц, проживающий в Англии, который снял первую кинокартину в истории человечества еще в 1888 году. Его картина получила название «Сцены в саду Раундхэй» и была создана при помощи новой на то время технологии – запись на бумажную пленку, покрытую фотоэмульсией.
Стоит отметить, что эта технология появилась ранее фильма, в 1884 году, но именно Луи ле Принц был первым, кто смог применить ее для создания кинокартины. Фильм занимал порядка пяти метров бумаги, при этом его длительность составляла всего 1,66 секунды. В центре картины люди, неспешно прогуливающиеся в саду. Героями фильма стали теща с мужем, сын режиссера и друг семьи Харриет Хартли. Спустя небольшой промежуток времени французский кинорежиссер снял еще одну картину под названием «Движение транспорта по английскому мосту Лидс». К сожалению, этот фильм никто так и не увидел, так как в 1890 году режиссер ехал в поезде из Джидона в Париж, но к месту назначения так и не добрался, бесследно исчезнув.
«Улисс» (1967) — первый фильм, в котором прозвучала нецензурная брань
Оценка фильма критиками[править | править код]
После выхода фильма на экраны критики давали ему в основном положительные отзывы. Босли Кроутер в «Нью-Йорк таймс» высоко оценил фильм, прежде всего, благодаря образу, созданному Дэйис. Журнал «TimeOut» назвал его «увлекательной, хотя и скромной по масштабам драмой со зрелой звездой на переднем плане». А «Variety» отметил, что «там есть хорошо продаваемая история с сюжетом о закулисье Голливуда». Со временем оценка фильма стала более критической
Так Эммануэл Леви охарактеризовал фильм как «шаблонный» и как «мыльную мелодраму», Дэн Каллахэн назвал фильм «поношенным, дешёвым вариантом «Сансет бульвар» и обратил внимание на то, что в фильме есть «неуклюжесть и манерность, из-за чего невозможно получить удовольствие», закончив словами, что «фильм главным образом вызывает смущение и, конечно, не достоин Бетт Дейвис».
Кроутер отмечает, что «постановщик фильма Стюарт Хейслер позаботился о том, чтобы весь фильм был снят в реальной голливудской среде, которая придаёт ему безжалостно реальный вид».
Многократно отмечалось, что фильм и особенно роль в нём Дэйвис имеет значительное сходство с другим её чрезвычайно успешным фильмом Джозефа Манкевича из театральной жизни «Всё о Еве» (1950). Так журнал «TimeOut» отмечает, что «через пару лет после „Всё о Еве“, Бетт Дейвис играет оскароносную актрису, приходящую к пониманию, что её затухающая карьера подходит к концу». По словам Кроутера, «необузданная и патетичная женщина, которую мисс Дэйвис столь выразительно демонстрирует через серию драматических ситуаций, — это как будто та же самая женщина, которая была столь ярко представлена ей во «Всё о Еве».
Практически весь фильм построен вокруг игры Дэйвис и создаваемого ей образа. Так, журнал «Variety» написал: «Сильная игра Бетт Дейвис в идеально подходящей для неё роли даёт „Звезде“ взлёт, которого в ином случае могло и не произойти». Кроутер подробно рассматривает работу Дэйвис, отмечая её «чрезмерную и узнаваемую манеру игры», её язвительность и тщеславие, «испепеляющий сарказм и женский пыл». Дэвис создаёт образ «непоседливой и шустрой бывшей студийной звезды, слишком старой, чтобы играть роли гламурных девушек и слишком тщеславной и потерявшей чувство реальности, чтобы сдать свои лавры с изяществом… Она с жаром демонстрирует свою неуёмную страсть перед лицом фрустрации и отчаяния». Леви отмечает, что «Бетт Дейвис играет патетичную, горькую, яростную женщину». Босли завершает: «Но мисс Дэйвис не была бы (той выдающейся) актрисой, если бы не придала значительно большее откровение и значимость своей роли… Имея энергичный и острый сценарий от Кэтрин Альберт и Дэйла Юнсона, она определённо создаёт что-то большее. Это аккумулированный внутренний взгляд на хрупкость и одиночество того, кто был обманут иллюзией прочности и постоянства голливудской славы».
Некоторые критики оценили игру Дэйвис отрицательно. Так, Кэллэхэн считает, что Дэйвис играет «напыщенно и манерно», а «TimeOut» пишет, что «Бетт Дейвис иногда переигрывает, изображая пьяную жалость к самой себе».
По мнению «Variety», «большинство материала сконцентрировано на героине Бетт Дейвис, и потому другим актёрам практически нет возможности себя проявить». Кроутер во многом согласен с этим мнением: «всё, что волнует картину, это мучения «звезды».
Кино и «система звезд»
Кино и бизнес, кино и «система звезд» — понятия неразделимые. Возникновение «системы звезд»
было предопределено самим характером кинопроизводства в капиталистическом обществе, ибо звезда — это гарантия
высоких доходов. Не случайно первые звезды кино засверкали почти одновременно во Франции и в Америке, в Италии и в
России. Причина была всегда одна и та же: создать культ отдельных актеров, одно имя которых на афишах привлекало бы
зрителей в кинотеатры.
Реклама не рождала «звезду», она лишь помогала актеру стать звездой, создать ему славу. В основе «звездной
системы» лежат более сложные явления духовной жизни общества. Зрители, как правило, восторженно принимают тех
актеров, в которых видят воплощение своих идеалов или хотя бы отражение своих желаний и надежд. Поэтому подлинная
звезда всегда в какой-то мере является отражением определенных социально-психологических процессов. Нередко звезда
наделена актерским талантом — так, как это было с Чаплином, потом Гретой Гарбо, Жаном Габеном и другими. В таких
случаях воздействие звезд на общество и на судьбы кино бывает весьма значительным.
Дальнейшее развитие кинематографа будет связано со звуковым кино, а пока отсутствие звука считалось достоинством
кино, а не недостатком. Это требовало особой работы актера над выразительными средствами в процессе работы над ролью
и ее воплощением на экране. Не случайно, звезды немого кино не смогли стать звездами кино звукового. Забегая вперед,
еще скажем несколько слов о «системе звезд».
Иногда культ звезды принимает уродливые, унижающие актеров формы. Классический пример — жизнь и смерть Мэрлин Монро.
Попав в голливудскую нездоровую нравственную атмосферу, с погоней за сенсациями и безудержной рекламой, Монро
неожиданно для себя превратилась в некий символ «стопроцентной женщины». Ее называли «солдатской
мадонной», «бисквитной Афродитой», «секс-символом Америки» и другими малопочетными
именами. Атмосфера постоянного скандала, которой ее окружали, стала в конце невыносимой, и Монро рано ушла из
жизни.
Типаж звезд — их характер, внешность — время от времени меняется, и по их изменению мы можем в определенной мере
судить о социально-психологических переменах в обществе, которые кино быстро улавливает и отражает. Например, когда
в Голливуде на смену обаятельным, красивым, стройным актерам типа Гарри Купера и Кларка Гейбла пришли отнюдь не
блиставшие внешними данными Николсон, Хоффман и им подобные, то один из продюсеров в ужасе воскликнул: «Мы
нанимаем уродов». Но Дастин Хоффман имел мгновенный успех у зрителей. Очевидно, он подошел Америке, так как
идеально выражал тип среднего американца, во всем разочаровавшегося, не верящего в «стопроцентных мужчин»
вроде Купера, живущего так, как на экране жил не очень счастливый Хоффман.
1980-1990-е: Деконструкция
Впрочем, новое десятилетие отменило эксперименты нового Голливуда. Наступила эра высокобюджетных жанровых блокбастеров и рефлексия американского кино, обращенная на самое себя, на время ушла в прошлое. Значимых фильмов о Голливуде не появляется довольно долго. Разве что под конец десятилетия, когдаЗемекисснимает о жуткой, но яркой эпохе сороковых,Кевин Бэйкониграет начинающего режиссера в «Большой картине». Это время становления нового независимого кино в США: как раз выходит «Секс, ложь и видео»Стивена Содерберга, организован фестиваль «Сандэнс». Благодаря удешевлению производства, молодые режиссеры получили возможность снимать новые истории, вне устаревшего формата больших студий. Герой «Большой картины» (1989), представитель этого поколения, идет на ухищрения, чтобы ему отдали в руки постановку фильма по собственному сценарию: для этого следует сразу же завоевать репутацию гения.
Кадр из фильма «Большая картина»
С новыми независимыми приходит мода на постмодернизм. Игры с клише, разрушение четвертой стены, обнажение приемов становятся обычными приметами массового кино. В «Последнем киногерое» (1993) юный зритель сперва попадает в нашпигованное штампами пространство фильма со Шварценеггером, а затем сам стереотипный персонаж звезды боевиков пытается жить в соответствии с законами невыдуманного мира. Снимал фильм, кстати, создатель «Крепкого орешка»Джон МакТирнан. Однако «Последнего киногероя» приняли довольно прохладно.
Кадр из фильма «Последний киногерой»
И совсем не поняли «Гори, Голливуд, гори» (1998), мокьюментари о самом плохом фильме в истории, который вызвал всеобщую злобу синефилов и критиков.Эрик Айдлв роли режиссера-неудачника, который выкрал негатив изуродованного продюсерами фильма,Вупи Голдберг,Джеки Чани Сталлонев роли самих себя — не помогли, фильм провалился, и АртурХиллерснял свое имя с титров — точно также, как по сюжету сделал его персонаж.
Более счастливая судьба ждала комедии «Клевый парень» (1999)Фрэнка Озаи «Достать коротышку» (1995)Барри Зонненфельда. В первом случае неудачливый режиссерСтив Мартин, не получив согласия известного актера сняться в его картине, разыгрывает фильм вокруг актера без его ведома так, что тот верит, будто его преследуют инопланетяне в человеческом обличье. У Зонненфельда гангстерская история, оказавшись в пространстве Голливуда, просто превращается в кинореальность, и мелкий преступник, загоревшись творчеством, оказывается автором фильма по собственной жизни.
Чарльз Спенсер Чаплин** (1889—1977) и немое кино
Мы знаем, что ранний кинематограф не имел звука. Демонстрация фильма сопровождалась игрой тапера в кинотеатре.
Поэтому кино в беззвуковой период называли «великим немым». Великим немым можно назвать
Чарльза Спенсера Чаплина (1889—1977) — замечательного актера, сценариста и режиссера.
Великий мим родился в семье бедных английских актеров и начинал свою карьеру на сценах лондонских эстрадных театров.
Будучи на гастролях в Америке, Чаплин получил приглашение от Мак Сеннета и в 1913 г. начал сниматься в кино. Успех
пришел с первыми короткометражками. Но к образу своего бессмертного героя Чарли Чаплин шел постепенно. Мак Сеннет
любил повторять: «Зритель не должен думать, когда смотрит комедию, как только он начинает думать, он перестает
смеяться». Первые фильмы Чаплина соответствовали этому. Но постепенно его герой стал превращаться в маленького
бродяжку Чарли — неунывающего неудачника, которого зритель полюбил не только потому, что он смешон, но и потому, что
увидел в этом образе отражение своих собственных горестей и надежд.
В то время шутили: в человеческой истории имеется только три человека, которых знают все, — это Иисус Христос,
Наполеон и… маленький Чарли. Образ маленького человека, стойкого в борьбе за человеческое достоинство, оказался
понятным и близким миллионам зрителей во всем мире. Не только социальная значимость образа способствовала успеху
Чарли, но и неповторимое актерское мастерство Чаплина.
Обессмертив свое имя, Чаплин определил высокий авторитет американской комедии вплоть до конца 30-х гг.
Наиболее значимым из чаплинских фильмов называют «Золотую лихорадку» (1925), рассказывающую о
приключениях Чарли во время нашествия золотоискателей на Аляску. Но «Иммигрант», «Малыш»
(1914—1915), «Цирк», «Огни большого города» (1931) не менее интересны и значимы. Каждый
фильм имеет свою тональность от сарказма до лирики.
«Золотая лихорадка» — единственная из больших картин Чаплина, имеющая счастливый конец. Забравшись в
своем кургузом пиджаке, котелке и стоптанных ботинках в дебри суровой Аляски, претерпев массу бед и несчастий, Чарли
все же случайно разбогател. И убедился, что девушка, которая ему нравится, любит его не за золото, а за человеческие
качества.
В следующих фильмах Чаплина сквозь смех и лиризм все сильнее проступает горечь и тревога. В фильме «Новые
времена» (1936) он показывает, что капитализм несет беднякам, — безработицу, превращение рабочего в придаток
машины, репрессии полиции. Некоторые сцены этой картины метафористичны…. Чтобы сократить время обеденного
перерыва, хозяева завода пытаются внедрить машину, которая должна быстро и насильственно насыщать рабочих. Как она
функционирует, демонстрируют на Чарли. Что-то разладилось в механизме, и машина выплеснула суп в лицо подопытному,
кашу размазала по его щекам и, наконец, жестоко избила. Эта машина символизировала всю разладившуюся жизнь
времени «великого кризиса».
В 1941 г. Чаплин снял один из самых ярких антифашистских фильмов западного кино «Великий диктатор»
(1941). Гитлер, Муссолини и их окружение показаны как безумцы — страшные в своем последовательном отрицании всего
человеческого.
После 2-й мировой войны Чаплин расстался с образом Чарли. По-прежнему он писал сценарии своих фильмов, сам их ставил,
играл в них главные роли, сочинял музыку. По-прежнему его фильмы критичны к буржуазной действительности, социально
значительны («Огни рампы», 1952, «Король в Нью-Йорке», 1957, «Графиня из Гонконга»,
1967 и др.). Но без образа Чарли чаплинские фильмы уже не имели того всемирного, грандиозного успеха.
Творчество Чаплина глубоко воздействовало и продолжает воздействовать на мировое кино. У него учились и продолжают
учиться мастера кино разных стран. Так, крупный мастер индийского кино Радж Капур говорил: «Я — ученик
великого Чаплина, мой герой Радж — это тот же чаплиновский Чарли, но живший в другое время и в другой
стране».
В самой Америке у Чаплина учились, Чаплину подражали. Его ученики и коллеги Бастер Китон, Гарольд Ллойд, Гарри
Лэнгдон, братья Макс тоже сказали свое новое слово в трудном жанре комедии.
В чем секрет успеха американских комиков того времени?! Каждый из них создал определенный социальный тип, у каждого
была своя маска, и все, подобно Чаплину, старались отыскать смешное в жизни, критикуя отдельные стороны буржуазной
действительности. Гарольд Ллойд на экране был «средним американцем», человеком ограниченным,
сентиментальным, но на редкость упорным. Во всех ситуациях он оставался «джентльменом».
Расцвет американской немой комедии приходится на 20-е гг. Звуковое кино не дало столь значительных и столь цельных
творческих индивидуальностей, каким был Чаплин.
«Небесный капитан и мир будущего» (2004) — первый фильм, полностью снятый на цифровом фоне
Цифровые фоны (зелёные и синие экраны) использовались в кинематографе десятилетиями. Они полезны тогда, когда нужно переместить персонажа картины в какое-то удивительное место, не перенося туда актёра. Но на протяжении десятилетий эти экраны использовались исключительно как дополнение к реальному миру, который снимал режиссёр. И никто никогда не снимал кино на полностью цифровом фоне. Наконец, в 2004-м году «Небесный капитан и мир будущего» стал первым фильмом в истории, при съёмках которого решено было полностью отказаться от физических перемещений актёров на места съёмок, и фильм был полностью снят на фоне зелёного экрана. Однако история этого фильма началась гораздо раньше, в 1994-м году. Именно в то время режиссёр фильма Керри Конран искал возможность «прописаться» в Голливуде, однако его воображение ему в этом не очень помогало. Четыре года своей жизни он провёл, создавая чёрно-белый трейлер своего будущего фильма, который планировалось снять на цифровом фоне. А его единственным инструментом в тот момент был одинокий компьютер. После того, как ему удалось найти заинтересованных людей, которые согласились помочь создать фильм без главного дистрибьютера, Конран взял свой шестиминутный трейлер, и превратил его в полнометражный фильм. Ещё два года у него ушло на то, чтобы написать полноценный сценарий, и снять основные сцены с помощью дублёров актёров (Джуд Лоу и Анжелина Джоли появились позже). Чтобы помочь актёрам понять, куда идти и как двигаться при полном отсутствии декораций, Конран фактически рисовал на полу карты, чтобы по ним вести актёров о одной точки сценария до другой. К сожалению, несмотря на всё напряжённую работу Конрана, «Небесный капитан» провалился в прокате. Тем не менее, его техника съёмки очень заинтересовала его коллег-кинематографистов, и в результате появился фильм «Город грехов», который был принят критиками с гораздо большей теплотой. Но исходной точкой, с которой всё это началось, был цифровой трейлер, созданный в середине 90-х начинающим режиссёром без всяких связей в Голливуде.
Самый первый фильм ужасов
Все мы любим современные фильмы ужасов, пропитанные чувством страха и опасности, но мало кто знает о том, кто стал «первопроходцем» в создании этого жанра. Фильмы ужасов – тематические фильмы, создающие напряженную атмосферу ужаса или мучительного ожидания чего-нибудь ужасного (эффект «саспенс»). Первые фильмы со сверхъестественными событиями, которые можно отнести к этому жанру появились у Жоржа Мельеса еще в конце 1890-х годов. Самой известной работой режиссера стал фильм 1896 года «Замок дьявола». Это один из первых фильмов, где использовались такие примитивные спецэффекты как мультиэкспозиция, стоп-кадр, замедленная и ускоренная съемка.
«Замок дьявола» – немой французский короткометражный фильм, ставший одним из первых опытов по воплощению фантастических образов. Премьера первого в истории фильма ужасов состоялась в Париже 24 декабря 1896 года. В центре сюжета старинный замок, где появляется летучая мышь, превращающаяся в Мефистофеля. Мефистофель наколдовывает котел, откуда появляются ведьмы, скелеты и призраки, запугивающие попавшие в его власть души. Одна из душ показывает деревянный крест, сколоченный из палок, в результате чего Мефистофель исчезает.
Премьера и фурор
В среду 25 мая 1977 года Марша и Джордж Лукас пошли перекусить в заведение «Гамбургер Хэмлит» в Лос-Анджелесе. Они так много работали в последние несколько недель, что по легенде напрочь забыли о том, что на этот день была назначена американская премьера «Звездных войн». «Гамбургер Хэмлит» располагался на голливудском бульваре, напротив знаменитого «Китайского театра» (там сейчас проходит церемония вручения «Оскаров»). Подойдя к заведению, они увидели, что перед кинотеатром собралась огромная толпа — не меньше тысячи человек. Движение было перекрыто, со всех сторон подъезжали лимузины, простые зрители сходили с ума. Лукас много лет спустя говорил, что только увидев эту толпу, он понял, что «Звездные войны» могут стать хитом.
Впрочем, фантастические фильмы никогда не срывали голливудскую кассу до того времени. Но как бы то ни было, чета Лукас вздохнула с облегчением — фильм окупится, судя по ажиотажу, а в следующие прокатные недели уступит новым премьерам. С этой мыслью они укатили в отпуск на Мауи. По приезду они проверили автоответчик — сотни звонков от студийных начальников, агентов и еще бог пойми кого. Сообщения были примерно одного содержания — Лукасу советовали посмотреть новостные выпуски. Постановщик включил телевизор и обомлел: по всем каналам шли сюжеты о невиданных очередях на показы «Звездных войн». Люди сходили с ума, перепродавали втридорога билеты на фильм или, наоборот, ходили по несколько раз — в общем, творилось настоящее безумие.
Спустя три месяца пришли отчеты — «Звездные войны» преодолели 100-миллионную отметку. Лукас понял, что стал богачом, что у него все получилось. Но, как позже признавался постановщик, он в полной мере почувствовал триумф позже, когда ему домой пришла телеграмма от Копполы, который в Азии в муках доснимал «Апокалипсис сегодня». В ней была всего одна фраза — «Вышли денег. Френсис».
Первый официальный фильм в мире
Как уже и говорилось ранее, первый в истории фильм появился в 1895 году. Наверное, о нем знает или хотя бы раз слышал каждый, ведь картину сняли и публично показали братья Люмьер. Фильм называется «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сиоты», именно он и стал отправной точкой в развитии эпохи кинематографа. С того момента Луи Жан и Огюст Луи Мари считаются родоначальниками кино. В наших источниках чаще всего этот фильм, длительность которого составляет 49 секунд, указывают под названием «Прибытие поезда» или «Прибытие почтового поезда».
В то время люди пытались записать происходящее, чтобы показать это зрителю, в результате чего картина не имела каких-то актеров или сложного сюжета. На картине демонстрируется остановка поезда, прибывающего на железнодорожную платформу вокзала Ла-Сиота, а также пассажиры, идущие вдоль вагонов. Несмотря на этот факт, фильм стал популярным и известным, как для того поколения, так и для последующих. Стоит отметить, что публика того времени не была готова к тому, что изображение способно «ожить», в результате чего многие были шокированы и даже получили психологические травмы. Во время показа картины многие отскакивали от экрана и даже выбегали из зала, боясь, что поезд их собьет. Сейчас это звучит забавно и даже нелепо, но для людей того времени это было настоящим потрясением.
Стоит отметить, что кинолента братьев Люмьер стала каноническим произведением кино, ведь впервые в истории удалось на плоском экране выразительно передать движение в перспективе. На картине четко видно, как поезд появляется издалека, проходя справа налево, что создало ощущение пространства. Дополнили картину люди, которых в одном кадре показали крупным, средним и общим планами.
Эта картина не только шокировала, но и вдохновила, в результате чего операторы всего мира начали создавать аналогичные картины с прибытием поездов на других вокзалах. Например, Жорж Мельес в 1898 году выпустил сразу два фильма: «Прибытие поезда на вокзал Жуанвиля» и «Прибытие поезда на вокзал Венсанна». Стоит отметить, что официальная дата, ставшая днем рождения кинематографа – 28 декабря 1895 года. Именно в этот день состоялся массовый показ фильмов в Париже, однако главной киноленты с прибытием поезда там не оказалось. Режиссеры показали 10 короткометражек, оставив свое главное достижение в тени. Что касается «Прибытия поезда», то его братья Люмьер показали на широком экране лишь 6 января 1896 года.